什么舞被称为足尖上的艺术，被人们称为足尖上的舞蹈是什麽

来源：整理时间：2024-10-30 03:38:03 编辑：风之神舞蹈手机版

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1，被人们称为足尖上的舞蹈是什麽
2，什么舞被称为足尖上的艺术
3，足尖上的舞蹈是什么舞
4，足尖上的舞蹈是什么舞
5，芭蕾舞艺术有什么特点
6，请问芭蕾舞之所以被称为脚尖舞因为什么
7，什么是跳舞的芭蕾
8，足尖上的艺术指的是
9，欧洲古典芭蕾简介
10，脚尖舞是不是等于芭蕾舞如果不是有哪些区别

1，被人们称为足尖上的舞蹈是什麽

芭蕾吧

芭蕾

顶楼上芭蕾

晕这卟白问吗? 笆蕾舞呗

被人们称为足尖上的舞蹈是什麽

2，什么舞被称为足尖上的艺术

芭蕾舞

什么舞被称为足尖上的艺术

3，足尖上的舞蹈是什么舞

芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上,经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后,技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞,所以也有人称之为足尖上的舞蹈。

9494..............狠好想吖........你怎么连芭蕾都想不到呢??!!哈

芭蕾舞

1）踢踏舞2）踢毽子3）芭蕾舞

芭蕾舞主要特色就是有足尖着地的舞蹈动作称之为足尖上的舞蹈一点不过分

哈哈，。。笑死了。。。楼主，我看好你哦！芭蕾舞吖！

足尖上的舞蹈是什么舞

4，足尖上的舞蹈是什么舞

5，芭蕾舞艺术有什么特点

你好！芭蕾舞是欧洲古典舞蹈。因女演员用脚尖直立进行舞蹈，所以又称“足尖舞”。芭蕾中的舞蹈主要由古典舞和民间舞结合而成。芭蕾舞的艺术特点主要是：芭蕾舞的音乐伴奏占非常重要的地位，它总是带有标题性的管弦乐曲。在古典形式中，只跳不唱，只奏不说，是舞蹈、哑剧、音乐、美术结合在一起的一种独立的艺术。

你好！芭蕾舞艺术形式表演的特点是：女演员均用脚尖直立进行舞蹈，故又称为“足尖舞”。芭蕾舞的音乐伴奏占非常重要的地位，它总是带有标题性的管弦乐曲。在古典形式中，只跳不唱，只奏不说，是舞蹈、哑剧、音乐、美术结合在一起的一种独立的艺术。

有基础要有软度我学过舞蹈

要身材好

6，请问芭蕾舞之所以被称为脚尖舞因为什么

芭蕾舞又称“脚尖舞”，现已成为世界各国全力发展的一种艺术形式。芭蕾舞之所以被称为“脚尖舞”，是因为演员需要穿特制的足尖鞋立起脚尖跳舞。但是，现在已经不能单纯地用穿足尖鞋定义芭蕾舞，哪怕演员没有穿特制的足尖鞋立起脚尖跳舞，只要舞蹈符合芭蕾舞的规范和结构形式，都可算作芭蕾舞。人们将芭蕾舞的定义范畴从脚尖延伸出去。失去穿足尖鞋的“规定”后，舞者更能释放情感，展现个性。第 1 页以上材料颇具启示意义。请结合材料写一篇文章，体现你的感悟与思考。要求：选准角度，确定立意，明确文体，自拟标题；不要套作，不得抄袭；不得泄露个人信息；不少于800字。【分析】本题考查学生的写作能力，这是一道引语式材料作文题。命题者以“芭蕾舞”为核心论述对象，要求考生围绕芭蕾舞定义的变化谈启示。材料可分为三个层次：其一，芭蕾舞的传统定义——演员穿特制的“足尖鞋”立起脚尖跳舞；其二，芭蕾舞定义的改变——只要舞蹈符合芭蕾舞的规范和结构形式，都可算作芭蕾舞；其三，芭蕾舞定义的改变带来的影响——失去穿足尖鞋的“规定”后，舞者更能释放情感，展现个性

7，什么是跳舞的芭蕾

芭蕾舞蹈演员中足尖技巧更常于用在女演员身上，更多地是表现美的质感。相对而言芭蕾舞蹈中，女演员表现的是柔的一面，而男演员表现的是刚的一面。另外女演员的自身条件不同于男演员，在更多的技巧上表现出来的效果也不一样。柔韧的要求除了先天的条件，就是后天的努力。在芭蕾舞剧中，女演员始终比男演员要多。其实不能怪什么，本人也是舞蹈专业，选择舞蹈的男生远没有女生多，也没有女生那样热爱舞蹈。从更多的舞蹈生中都可以发现，选择舞蹈的男生基本是国宝级人物。少是个问题，懒也是个问题。毕竟没有多少男生会选择舞蹈

我那天看到钢管芭蕾感觉不错哦估计会适合初学者的感觉哦

是指芭蕾舞蹈当中一种至高的境界，指跳舞的人可以把芭蕾舞蹈跳的出神入化的地步，不是人在跳芭蕾，是芭蕾在跳舞

芭蕾被称为足尖上的艺术，是一个系统的训练，对人的艺术塑造有很大提高，展现更多美感，芭对敌人的形体有着较高的要求，软开度的练习是必要的，贵在持之以恒，对人的气质有极大提高。芭蕾的最高标准是英国皇家芭蕾舞蹈学院，那得芭蕾是最标准的。

用脚尖跳

8，足尖上的艺术指的是

　　足尖上的艺术指的是芭蕾。在练习芭蕾的时候需要在足尖上下功夫，往往需要踮起脚尖同时绷直腿部和上肢躯干相结合，可以说绷起脚背踮起足尖是芭蕾最经典的动作，而练习芭蕾的基本要素是“开、直、立”，这三个动作渗透到芭蕾舞的每个动作中。　　足尖上的艺术是　　之所以将芭蕾称为足尖上的艺术是因为在练习芭蕾的时候足尖上的姿势非常重要，首先，为了让双腿拥有修长、优雅的曲线，需要踮起脚尖同时腿部绷直和上肢躯干绷直相结合，在足部离开地面的时候，还要做到全身绷直，绷起脚背踮起足尖，这也成为后来人们对芭蕾的第一印象。　　练习芭蕾的基本要素是“开、直、立”，而这几个要素会渗透到身体每个部位做出来的动作中，因此要想将芭蕾跳好，是有非常严格要求的，芭蕾舞的舞步是一种情感的展现，而这种情感，也是通过脚而体现出来的。　　芭蕾介绍　　芭蕾一词源自于法语的音译，他最早起源于意大利，诞生于欧洲文艺复兴鼎盛时期意大利宫廷中，不过芭蕾舞的盛行确实在法国，每当接见外国元首的时候或者是一些庆典活动时，就会即兴表演芭蕾来庆祝。

9，欧洲古典芭蕾简介

古典芭蕾的歷史約有五百年，是沿襲宮廷芭蕾的各種技法與表現方式，雖經過了不斷地改變和革新，在19世紀形成的新流派芭蕾舞。它給人的基本印象是: 女舞者穿著有裙子的舞衣。一般都採用童話傳說或神話等的故事題材為情節。音樂多是舞曲甚至名曲，尤其是柴科夫斯基的芭蕾舞劇組曲。男舞者很多時輔助女舞者作出漂亮的技巧動作。事實上,古典芭蕾尚有浪漫派與古典派的區分。後者專指十九世紀的舞劇，如《天鵝湖》。前者為十七十八世紀的舞劇《吉賽爾》。兩者較明顯的差別在於舞者所穿的舞衣之不同，古典派的舞衣為紗質的短裙，稱為classical tutu[1]，舞鞋質地較軟；而浪漫派的舞裙長及膝與踝之間，稱為romantic tutu[2]，舞鞋為硬式，便於舞者跐立。除此之外，古典芭蕾依動作又可分為快舞與慢舞。快舞孕育於義大利，最大特色是跳躍與旋轉，專指男舞者與女舞者隨著迅速的音樂踊舞的舞蹈，所有活潑迅速而華麗的舞蹈均屬之。慢舞孕育於法國，是法國舞蹈的最大特徵，舞者以緩慢的動作，或以單腳支立平衡身體，構成優雅曲線之舞步與舞姿等均稱為慢舞，這種舞蹈充滿了纖細的美感。在古典芭蕾舞劇中，通常以慢舞來表現男女的情愛場面，如《天鹅湖》中的第二幕公主與王子的雙人慢舞。慢舞基本上是屬於女性的舞蹈，而男舞者只是支扶女舞者的陪襯而已，對於女舞者來說，無非是一個呈現其舞藝與優美曲線的大好機會，而此時表現身體的平衡更顯得格外重要。如今快舞與慢舞雖以交互使用，但仍可視其強調的程度，來分辨義大利派的華麗與法國的浪漫氣質。技巧傳統的芭蕾舞技巧是一個嚴格的體系。最基本的審美特徵是對外開、伸展、繃直的追求，包括腳的五種基本位置，三種基本舞姿，腿的伸展、射擊、打開、屈伸、抬腿、踢腿和劃圓圈等動作，還有各種舞姿的跳躍、旋轉和轉身，各種舞步和連接動作。將其按特定的結構手法編排、組合，就能創造出富有感染力的舞蹈藝術形象。

10，脚尖舞是不是等于芭蕾舞如果不是有哪些区别

不等于，足尖属于芭蕾的一部分。我们学了两年多的基本芭蕾训练才开足尖课，足尖相当于是一种技巧，除了足尖之外，还有软芭部分。

　“芭蕾”起源于意大利，兴盛于法国，“芭蕾”一词本是“法语”ballet的英译，意为“跳”或“跳舞”。芭蕾最初是欧洲的一种群众自娱或广场表演的舞蹈，在发展进程中形成了严格的规范和解构形式、其主要特征是女演员要穿上特制的足尖鞋立起脚尖起舞。作为一门综合性的舞台艺术，芭蕾17世纪在法国宫庭形成。1661年，法国国王路易十四下令在巴黎创办了世界第一所皇家舞蹈学校，确立了芭蕾的五个基本脚位和十二个手位，使芭蕾有了一套完整的动作和体系。这五个基本脚位一直沿用至今。　　芭蕾舞是用音乐﹑舞蹈和哑剧手法来表演戏剧情节。女演员舞蹈时常用脚趾尖点地。意指：①一种舞台舞蹈形式,即欧洲古典舞蹈,通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上,经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的,具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后,技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的脚尖舞鞋用脚趾尖端跳舞,所以也有人称之为脚尖舞。②舞剧,最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段,综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体,用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术,称古典芭蕾(或古典舞剧)。20世纪出现了现代舞以后,以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地,芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品,尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。③在现代编导创作的舞蹈作品中,有相当一部分没有故事内容,也没有情节,编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈,或使两者相结合,用以表现某种情绪、意境,或表现作者对某个音乐作品的理解等等,这些也称为芭蕾。　　ballet一词,源于古拉丁语ballo。最初,这个词只表示跳舞,或当众表演舞蹈,并不具有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术,孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动,17世纪形成于法国宫廷,这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下,具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演,由专业的舞蹈教师设计,国王和贵族担任演员,女角也由男子扮演,表演场地在皇宫大厅中央,观众则围绕在大厅周围观看;演员戴皮制面具标志不同角色,故又称假面芭蕾。　　1661年,路易十四下令在巴黎建立皇家舞蹈学院。17世纪70年代芭蕾演出开始使用黎塞留主教宫廷剧场。演出场地和观众观看角度的改变,引起了舞蹈技术和审美观点的变化,演员站立的姿势越来越外开,由此正式确定了脚的5个基本位置,这5个外开的位置成为发展芭蕾舞技术的基础。专业芭蕾演员应运而生,并逐步取代了贵族业余演员,职业女芭蕾演员也开始登台演出,舞蹈技术得以较迅速地发展。芭蕾演出从基本上是一种自娱性的社交活动逐步转变为剧场表演艺术。这个时期的芭蕾是从属于歌剧的,宫廷作曲家J.B.吕利在歌剧中加入芭蕾场面,实际上是一连串舞蹈表演,剧情反而显得无关紧要,这时称为歌唱芭蕾或芭蕾歌剧。这种状况一直持续到18世纪中叶。18世纪的芭蕾大师J.G.诺韦尔是芭蕾史上最有影响的舞蹈革新家。他在1760年出版的《舞蹈与舞剧书信集》中首次提出了"情节芭蕾"的主张,强调舞蹈不只是形体的技巧,而属于戏剧表现和思想交流的工具。诺韦尔的理论推动了芭蕾的革新浪潮,在他和其他许多演员、编导的持续努力下,芭蕾从内容、题材、音乐、舞蹈技术、服饰等方面都进行了一系列改革,这些改革使芭蕾终于能够与歌剧分离,形成一门独立的剧场艺术。　　在芭蕾发展史上,主要有两种美学观点一直在起作用。一种观点认为,芭蕾是"纯粹的舞蹈",16世纪的意大利舞蹈教师、《王后的喜剧芭蕾》的编导B.de博若耶认为芭蕾是"几个人在一起跳舞的几何图案组合"。这种观点完全着眼于芭蕾的形式美,几乎完全不考虑芭蕾的内容或情节,往往导致单纯追求技巧的高超、华丽。18世纪中叶以前,这种观点在芭蕾创作中居统治地位。另一种观点强调芭蕾是"戏剧性舞蹈",诺韦尔的"情节芭蕾"理论最集中地代表这种观点。他认为在一部芭蕾作品中,舞蹈要表现戏剧性内容,"情节和舞蹈设计要保持统一,有合乎逻辑的、明白易懂的故事作中心主题,和情节无关的独舞及舞蹈片段都得取消",舞剧中"不仅是舞蹈技术光辉夺目,更须通过戏剧性表现,从情绪方面感动观众"。上述两种主要观点至今仍在起作用,不少编导致力于创作戏剧性的或有情节的芭蕾作品,也有的编导热衷于无情节芭蕾,注重形式美,两类作品中的优秀剧目都是观众所欣赏的,并作为保留剧目经常上演。20世纪以来,各种文艺思潮对芭蕾创作的影响越来越明显,出现了许多不同风格的作品。