舞蹈艺术照怎么拍，怎么拍舞蹈

本文目录一览

1，怎么拍舞蹈
2，怎样给炫舞人物拍照片
3，怎样拍摄戏曲摄影
4，怎么拍摄舞台表演照片
5，怎样拍好舞台剧照
6，如何拍摄舞台照

1，怎么拍舞蹈

最主要是要中景

有点难~现在写个提纲之类的东西吧`之后再选音乐`再做音乐`之后再编排动作``

怎么拍舞蹈

2，怎样给炫舞人物拍照片

ctrl + alt + A

就那样拍被剪切也可以

ctrl + alt + A 截图。

怎样给炫舞人物拍照片

3，怎样拍摄戏曲摄影

戏曲这门古老艺术，载歌载舞，博大精深，常使人迷恋得意醉神迷。作为一个戏曲摄影发烧友，具备基本的戏曲常识、扎实的摄影基本功和坚持不懈的精神是拍好戏曲图片的基础。一组好的作品，也涵盖了摄影者对戏曲作品的理解、表达和升华……若要表现动感，使被摄主体出现一定的模糊程度时，可以将快门速度适当放慢，以取得虚化的画面效果。这种因运动而产生的主体模糊。如拍摄舞龙，用1/60秒可拍到影像略虚的龙体，而用1/15秒，则龙体虚成一片，获得动感强烈的画面效果。拍摄旋转的舞蹈动作，如需表现清楚时，应采用1/250秒以上的快门速度，稍慢一点的舞蹈转速，或头顶不动身体旋转时，可用1/125秒或1/60秒的快门速度，使转动的裙摆略虚，产生动感，若取1/30秒或以下的快门速度，则动感会更强烈。每一次拍摄之前，应先了解剧情，掌握情节变化，对于演出过程中的高潮，需要重点拍摄的人物、场面以及武打、舞蹈动作等等要有初步概念，比如武戏中扎靠武生、武旦的旋转动作极为精彩，其一般都在出场时或一番打斗后才开始的，而且在旋转之前，演员会有一个稍稍的停顿调整过程，这时候就给了摄影师一个充足构图准备的时机，如果有条件，最好是在拍摄前能看一遍演出。做到了这些，可以确保把演出过程中的精彩场面不失时机拍摄下来。其次就是一定要选择好拍摄点，一般选择稍微侧面的位置最为理想。离舞台的距离，在第五至六排的位置上拍摄，因为这个视角正好与舞台台面保持平衡，不会使拍出来的照片视角过仰。在艺术表现上，剧以传统京剧的“唱念做打舞”为立足点，广泛融合话剧、歌剧、诗剧、舞剧等多重艺术元素，其大气凝练的舞美设计和如梦似幻的灯光运用是该剧的两大亮点。剧中大量观众耳熟能详的辛词的成功运用、写实与写意相结合的舞台美术、京剧音乐与交响音乐的完美交融，虚实结合的灯光设计和时空转换以及靓丽多姿的舞蹈表演，无不是对传统京剧的一种创新，具有浓郁的人文情怀，展现了济南独特的风土人情，带给观众强烈的视听冲击。

服装挺多的，但是具体要看你适合哪种古装风格

怎样拍摄戏曲摄影

4，怎么拍摄舞台表演照片

不考虑使用闪光灯这个原因很简单，1.是演出单位和剧场不允许使用，尤其是一些高层次的演出；2.来闪光灯不是舞台摄影的理想光源。因此，舞台摄影的光源主要来自于现场的舞台灯光，这是一项非常专业的领域，通常一台好的演出其灯光效果是经过精心设计的，灯光师会依据舞台人物的造型设置不同的灯光。如面（脸）光、耳光、后轮廓光、布景光等等，还根据表演需要用灯光营造感情色彩。好在高水平的演出本身已具备理想的广源，只要你思维敏捷，技术娴熟，心到手随就行。舞台灯光的设计特点是：相对于配角、布景而言主角的左右耳光是最强的，这是为了表演的需要，光线的强弱对比观众的视觉系统可以自我调节，但照相机没有这样的调节功能，这就是我们时常抱怨说：我明明在看见光的效果最好的时候按下快门，为什么拍出来主体人物却曝光过度而背景效果没有了的原因。为此当你想表现背景的气氛时要尽量避免主体人物转向左右耳光时拍摄；如果你觉得主体人物形态美感最佳而此时主体人物又恰好转到面向耳光，你就可能要牺牲背景气氛而着重捕捉人物的形体瞬间。然后是要做到胸有成竹：所谓胸有成竹，首先是对各种表演艺术门类要熟悉，掌握每一表演艺术门类的规律并尽可能做到懂行；其次在拍摄之前明了你所拍摄的剧目，这两点是关系到你的摄影成功与否的关键。因此对于每一场的演出而言，具典型象征意义的场面和精彩的瞬间是有限的，用“稍纵即逝”来形容舞台的最佳拍摄时机是最合适不过的了。有道是“熟能生巧”，身手灵活、思维敏捷、对典型瞬间的预见性，这些均为舞台摄影者所必须具备的内在素质，当摄影的技术操作已不再成为问题时，你对表演艺术的了解越深，临场的发挥就愈加得心应手，挥洒自如。最后当然是要随机应变：但还需留意演出现场发生意料之外的情况，注意观察表演者的现场发挥并善于捕捉。相同的剧目，不同演员的演绎会有明显的差异，就算是相同的剧目，相同的演员演绎也会因表演者与表演者之间的即兴情绪感染。表演者与观众之间的情感互动而有所不同，这恰恰是舞台艺术的魅力，是在家看DVD和看现场演出的本质区别，同时也是舞台摄影引人入胜之处。一但这样的情况出现之时也就意味着你可以拍到意想不到好镜头的机会来了。以前些日子在文化艺术中心的一场新年音乐会为例，著名小提琴大师薛伟台上甫亮相，其貌不扬的他没引起我太大的拍摄欲望。但随着手起弓落，美妙的音符在瞬间征服了所有听众，抬望眼处大师的脸部表情异常地生动，与乐队指挥的台上互动非常默契，我的情绪立即被调动起来，于是就捕捉了一组独奏。最后告诉大家，虽说舞台摄影主要是靠现场抓拍，但不要忘记表演是运动的，一气呵成的，尤其是舞蹈表演，跳跃、旋转、快速的舞步，动作之快远远胜于运动场上的百米冲刺。

其实舞台摄影首先你要善用光源，因为舞台摄影用光的局限性比较大，不像在影棚可以随心所欲进行布光；也不像户外摄影可以自由地选择拍摄时间；光的强度不可控制，还有舞台摄影通常不考虑使用闪光灯。不考虑使用闪光灯这个原因很简单，1.是演出单位和剧场不允许使用，尤其是一些高层次的演出；2.来闪光灯不是舞台摄影的理想光源。因此，舞台摄影的光源主要来自于现场的舞台灯光，这是一项非常专业的领域，通常一台好的演出其灯光效果是经过精心设计的，灯光师会依据舞台人物的造型设置不同的灯光。如面（脸）光、耳光、后轮廓光、布景光等等，还根据表演需要用灯光营造感情色彩。好在高水平的演出本身已具备理想的广源，只要你思维敏捷，技术娴熟，心到手随就行。舞台灯光的设计特点是：相对于配角、布景而言主角的左右耳光是最强的，这是为了表演的需要，光线的强弱对比观众的视觉系统可以自我调节，但照相机没有这样的调节功能，如果你觉得主体人物形态美感最佳而此时主体人物又恰好转到面向耳光，你就可能要牺牲背景气氛而着重捕捉人物的形体瞬间。然后是要做到胸有成竹：所谓胸有成竹，首先是对各种表演艺术门类要熟悉，掌握每一表演艺术门类的规律并尽可能做到懂行；其次在拍摄之前明了你所拍摄的剧目，这两点是关系到你的摄影成功与否的关键。因此对于每一场的演出而言，具典型象征意义的场面和精彩的瞬间是有限的，用“稍纵即逝”来形容舞台的最佳拍摄时机是最合适不过的了。有道是“熟能生巧”，身手灵活、思维敏捷、对典型瞬间的预见性，这些均为舞台摄影者所必须具备的内在素质，当摄影的技术操作已不再成为问题时，你对表演艺术的了解越深，临场的发挥就愈加得心应手，挥洒自如。最后当然是要随机应变：但还需留意演出现场发生意料之外的情况，注意观察表演者的现场发挥并善于捕捉。相同的剧目，不同演员的演绎会有明显的差异，就算是相同的剧目，相同的演员演绎也会因表演者与表演者之间的即兴情绪感染。表演者与观众之间的情感互动而有所不同，这恰恰是舞台艺术的魅力，是在家看dvd和看现场演出的本质区别，同时也是舞台摄影引人入胜之处。但随着手起弓落，美妙的音符在瞬间征服了所有听众，抬望眼处大师的脸部表情异常地生动，与乐队指挥的台上互动非常默契，我的情绪立即被调动起来，于是就捕捉了一组独奏。最后告诉大家，虽说舞台摄影主要是靠现场抓拍，但不要忘记表演是运动的，一气呵成的，尤其是舞蹈表演，跳跃、旋转、快速的舞步，动作之快远远胜于运动场上的百米冲刺。

5，怎样拍好舞台剧照

我来说两句: 1、只要不站在舞台上拍，长焦就一定要。只要不是特许你闪光，大光圈一定要，不然，拍是拍到了，全是糊的，因为小光圈的情况下，快门速度一定很慢很慢；要不然，你就是高ISO，也就是高感光度，那噪点就上来了，DC没有任何一款的高ISO能过关的，即使你只放小6寸。所以，要么是麻点，要么就是一坨模糊，要么就是小人儿在大舞台上，分不清谁是谁。 2、说完上面一堆，也就把范围限定在单反上了。这中间，按你的说法，6K多的和1W6K多的之间的区别，就在APS片幅和全片幅的区别上。APS片幅，其CCD或者CMOS，也就是感光元件，面积比DC包括你说的长焦消费机型，都大了很多，不是一倍两倍的距离，这是一个非常重要的指标，它直接影响到高ISO可用不可用、虚化效果等等，也就是DC和单反之间的质变。而全幅的单反，CMOS面积更比APS大几倍，直接就是一张135底片那么大，。以上所说，并不是指像素的问题，因为1/1.8英寸和全幅的都有1000万像素的机器，同样是1000万像素，成像质量是两重天。这就是为什么单反在DC冲击下依然存活得很好的原因:因为它们根本不是同一回事。 3、即使上了单反，只用小光圈的套头，也不行，和第1条说的一样，抓不下来，人是动的，相片是糊的。你的另外两个用途中的人物抢拍，也需要对焦速度和大光圈虚化背景。所以还得上大光圈的人像中长焦牛头，那也不是个便宜货。就Nikon人像王85/1.4D来说，7000多块钱一支吧，但上了这个，其他的就可以不考虑了（仅仅是说人像而言），另外50/1.4D也可以考虑，因为在数码机器上嘛，那也是2000块上下。佳能同级的也差不多。至于风景，自然要广角，Nikon金广角、银广角，都得几千上万。上面百年色友朋友说的可以参考。 4、结论:要么上单反，因为摄影技术用单反来练习比DC要好得多，很多效果在DC上是看不到也不明白为什么会这样的。要么考虑到经济原因，买个佳能G7、松下LX2一类的便携手动机器凑合拍拍，不要太讲求舞台摄影的效果，人像和风景也还看得过去。更经济的是买一些二手老机，以前的数码，400万级别的，颇有一些大光圈，比如松下LC5的2.0，还有奥林巴斯的5050，1.8的大光圈，也就是1000多块钱，练手正好，除了慢点，洗6寸没任何问题，而且这两个的镜头，即使现在的新机器，能比得上的也几乎没有。以上所说，仅供参考。只有选择，没有完美，弄清自己需要的，大胆上。祝选机成功。

脱光

我来说两句： 1、只要不站在舞台上拍，长焦就一定要。只要不是特许你闪光，大光圈一定要，不然，拍是拍到了，全是糊的，因为小光圈的情况下，快门速度一定很慢很慢；要不然，你就是高ISO，也就是高感光度，那噪点就上来了，DC没有任何一款的高ISO能过关的，即使你只放小6寸。所以，要么是麻点，要么就是一坨模糊，要么就是小人儿在大舞台上，分不清谁是谁。 2、说完上面一堆，也就把范围限定在单反上了。这中间，按你的说法，6K多的和1W6K多的之间的区别，就在APS片幅和全片幅的区别上。APS片幅，其CCD或者CMOS，也就是感光元件，面积比DC包括你说的长焦消费机型，都大了很多，不是一倍两倍的距离，这是一个非常重要的指标，它直接影响到高ISO可用不可用、虚化效果等等，也就是DC和单反之间的质变。而全幅的单反，CMOS面积更比APS大几倍，直接就是一张135底片那么大，。以上所说，并不是指像素的问题，因为1/1.8英寸和全幅的都有1000万像素的机器，同样是1000万像素，成像质量是两重天。这就是为什么单反在DC冲击下依然存活得很好的原因：因为它们根本不是同一回事。 3、即使上了单反，只用小光圈的套头，也不行，和第1条说的一样，抓不下来，人是动的，相片是糊的。...我来说两句： 1、只要不站在舞台上拍，长焦就一定要。只要不是特许你闪光，大光圈一定要，不然，拍是拍到了，全是糊的，因为小光圈的情况下，快门速度一定很慢很慢；要不然，你就是高ISO，也就是高感光度，那噪点就上来了，DC没有任何一款的高ISO能过关的，即使你只放小6寸。所以，要么是麻点，要么就是一坨模糊，要么就是小人儿在大舞台上，分不清谁是谁。 2、说完上面一堆，也就把范围限定在单反上了。这中间，按你的说法，6K多的和1W6K多的之间的区别，就在APS片幅和全片幅的区别上。APS片幅，其CCD或者CMOS，也就是感光元件，面积比DC包括你说的长焦消费机型，都大了很多，不是一倍两倍的距离，这是一个非常重要的指标，它直接影响到高ISO可用不可用、虚化效果等等，也就是DC和单反之间的质变。而全幅的单反，CMOS面积更比APS大几倍，直接就是一张135底片那么大，。以上所说，并不是指像素的问题，因为1/1.8英寸和全幅的都有1000万像素的机器，同样是1000万像素，成像质量是两重天。这就是为什么单反在DC冲击下依然存活得很好的原因：因为它们根本不是同一回事。 3、即使上了单反，只用小光圈的套头，也不行，和第1条说的一样，抓不下来，人是动的，相片是糊的。你的另外两个用途中的人物抢拍，也需要对焦速度和大光圈虚化背景。所以还得上大光圈的人像中长焦牛头，那也不是个便宜货。就Nikon人像王85/1.4D来说，7000多块钱一支吧，但上了这个，其他的就可以不考虑了（仅仅是说人像而言），另外50/1.4D也可以考虑，因为在数码机器上嘛，那也是2000块上下。佳能同级的也差不多。至于风景，自然要广角，Nikon金广角、银广角，都得几千上万。上面百年色友朋友说的可以参考。 4、结论：要么上单反，因为摄影技术用单反来练习比DC要好得多，很多效果在DC上是看不到也不明白为什么会这样的。要么考虑到经济原因，买个佳能G7、松下LX2一类的便携手动机器凑合拍拍，不要太讲求舞台摄影的效果，人像和风景也还看得过去。更经济的是买一些二手老机，以前的数码，400万级别的，颇有一些大光圈，比如松下LC5的2.0，还有奥林巴斯的5050，1.8的大光圈，也就是1000多块钱，练手正好，除了慢点，洗6寸没任何问题，而且这两个的镜头，即使现在的新机器，能比得上的也几乎没有。以上所说，仅供参考。只有选择，没有完美，弄清自己需要的，大胆上。祝选机成功！

6，如何拍摄舞台照

1、选相机目的：高感好，画质好舞台上经常是光线不足的（除非是传统京剧），所以需要提高感光度（增强进光量）来缩短快门时间去凝固舞蹈动作的瞬间性，此时需要更高的感光度。2、选镜头目的：掌握更多的主动权（景别）摄影席的位置距舞台中区的距离决定着选择什么焦段的变焦镜头更为有利，舞者活动的范围在中区居多（除非特殊情况），参照是舞者在舞台中区表演时我们用长焦端拍下的舞者依然能分清舞者的五官而选择。舞者站在后去溢出了取景器为参照，舞台底线7m左右选择24mm——70mm镜头，舞台底线15m左右选择70mm——200mm镜头，舞台底线25m左右选择100mm——300mm镜头。3、选位置目的：获取理想的视域首先用取景器观察，尽可能把舞台平面安放在舞者膝盖以下到脚面以上的中间位置而坐，因为舞台平面在构图时会平分舞者的身体以及和画框的关系。如果选的位置具地面过高1.舞台平面就会平分舞者的身体造成比例呆板再者如果舞台平面超过舞者腰部之上舞者的身体比例上，多少情况下这样会显得地面很脏（俯拍），但是可以做为第二视角进行复拍。舞台摄影一般分三种情形：1、在演出现场抓拍2、在彩排时拍照3、专门组织拍照。无论何种情形，都要做到：在拍摄前熟悉剧情，了解演出高潮；了解表演者的风格和表现特征；拍摄时要抓住重要情节或表演的瞬间或相对静止的一刹那。这样才能得到真实生动的艺术照片。因此，舞台摄影中，首先要了解不同类型的艺术表演的规律和特点；其次要了解主要“剧中人”在某一位置所构成的代表性场面，制定相应的拍摄计划；第三是准备必要的摄影器材，如小型相机、交焦镜头及各种附加镜、高速胶片等；第四是适应剧情选择好拍摄方位和角度，掌握好拍摄“瞬间”。

1、选择正确的拍摄位置拍摄舞台照时，拍摄位置非常重要，拍摄戏曲时，最好选择第一排正中偏左一点的位置。因为一般戏曲演出演员都是左进右出，而且主角出场后往往都有“亮相”动作，这正是拍摄的大好时机；拍摄芭蕾舞剧，应在第六至十排左边靠走道的位置。在这些位置上，可以清晰地拍摄到演员舞蹈时精彩的足尖动作，而你蹲在走道上拍摄那些腾空而起的舞蹈动作，能增添高耸凌空之感；拍摄民族舞剧或是交响音乐会，那么剧场二楼的一排正中的位置是最理想的拍摄点，在这里可以居高临下进行俯拍，可以摄到雄伟壮观的舞台场面！2、掌握舞台现场光线的特性舞台的光线概括起来说可以称之为“暗弱、多变、反差大”。舞台灯光是很弱的，而且由于演员是一直处在不停的动态，所以要想获得清晰的照片，最好选用大口径的镜头和适当的高感光度。这样可以有效地改善舞台光线的反差过大，影响层次单调的不良现象。舞台灯光不同于正常照明，往往随着剧情的展开不断变换，其明暗往往相差数倍，而且各种色光混合，使感光带十分复杂。因此在实际拍摄时要随机应变，要分析对各种色光的感受能力。当无法全面记录舞台景物的情况下，可采取“弃卒保车”的办法，参照主体的亮度来曝光！3、选择好适当的ISO 用于舞台摄影的感光度，一般ISO800以上的感光度就够了，过高的ISO会带来明显的噪点。4、不能全信测光表拍摄时，由于距离舞台较远，测光表测出的数值为整个舞台的平均亮值（按程序式曝光）。而拍摄的内容往往是舞台上的一个局部或某个人物，所以说势必会造成曝光过度的现象。同样道理，当拍摄对象处于深暗区域时，就会出现曝光不足的情况。所以说，在拍摄时，要根据当时的情况酌情增减曝光量，这样才能拍出正确曝光的片子。5、捕捉好瞬间抓拍瞬间是舞台摄影的一大特点。要想把艺术性的舞台上的精彩瞬间记录，首先摄影者要了解剧情的发展，要知道一些表演的基本规律。只有这样，才能不失时机地抓住瞬间即逝的高潮。

舞台摄影的方法总的说来有两种：一种是在演出过程中抓拍，一种是在非演出的时候专门组织拍摄。在这两种方法中，有需要解决的共同性的问题，也有根据不同的拍摄方法应掌握的独特技巧。下面加以概括地介绍。　　一、前期准备　　不论是演出中抓拍或专门的组织拍摄，对于舞台摄影来说，预先了解剧情都是必不可少的重要环节。摄影者要在正式拍摄之前，利用一切可以达到的途径，预先对剧情进行了解和研究，掌握情节的发展，找出应当重点拍摄的场景，为实拍做好必要的准备。　　一般来说，在正式拍摄之前主要解决三方面的问题：1. 要把自己想拍摄的节目、想拍摄的某位演员或者某个重要场景确定下来，这样拍摄才有目的性。2. 预先选择好拍摄的位置，一般来说最佳的拍摄位置在第四排左右，这样的距离不会因为距离太近角度太仰，又不至于距离太远而拍不清楚演员。3. 调整好相机的参数：一般来说必须调整好相机的白平衡、掌握相机的安全快门、以及手动对焦时的大概对焦距离等参数。　　二、器材的选择　　相对于单反数码相机而言，消费级数码相机的劣势在于：1. 对焦速度慢；2. 高感光度的细腻表现力不够，在高iso下画面粗糙；3. 快门延迟太慢；4. 光圈不够大，影响进光量。　　这些相对于消费级数码相机来说可以认为是“硬伤”了，所以不要指望能从相机本身的质量上面来改善，只能通过一些技巧来降低这些劣势。由于舞台摄影的特殊性，使用消费级数码相机进行舞台拍摄难度很大，拍摄者应选用长焦距的单反相机。　　三、拍摄技巧1. 预先选好拍摄位置。2. 曝光。在这种场合下拍照，要有窄角测光表或者用长焦距镜头测光。否则，只能凭自己的经验估计曝光。有条件的话，在开演之前，你可以走到台上去，请舞台灯光工作人员把照明灯光打开，用测光表事先计量一下舞台中心、舞台前沿、舞台深处、前面的两个台角、后面两个台角等几个部位的亮度，作为正式拍摄时曝光的参考。拍摄剧场内的舞台演出不宜使用闪光灯。3. 聚焦。舞台拍摄对演员的面部表情、肢体动作的捕捉很重要，不过消费级数码相机的对焦速度比较慢，另外现场光线不足又在更大程度上影响了相机的对焦速度，所以在这种情况之下使用相机的自动对焦功能是比较困难的，容易造成对焦失败，手动对焦功能在这个时候就可以派上用场了。在拍摄舞台演出时，通过目测事先调好焦点的方法是常会用到的。　　拍摄舞台演出，是大家所喜爱的摄影活动。演员们动人的表演，舞台上美妙的场景，剧作中典型的情节，常使摄影者受到深深的感染。在观看演出的同时，用相机把它们拍摄下来，是一种很好的艺术享受。